Nuevas no nuevas.

Tras este lapso de tiempo de un mes de trabajos y agobios y justo con los exámenes encima hay que seguir dándole un poco de vida a nuestro querido blog y como siempre, buscando y rebuscando cosillas en la red he dado con una antigua exposición que hubo en la fundación Mapfre.
Es una exposición temporal de 2008 que duró 4 meses. Se llamaba Amazonas del arte nuevo con la que se reivindicaba el poder de la mujer en el arte moderno.

La exposición constaba de ocho secciones, comienza con el cambio de siglo y las primeras mujeres que le dieron comienzo a este s.XIX y luego habla del expresionismo, futurismo, las vanguardias rusas, el realismo mágico, el purismo y la abstracción, la fotografía y termina con el surrealismo. Dentro de cada sección nos presentan a las artistas que representaban cada movimiento y nos habla de ellas brevemente.
Además el área de temática se divide en autoretratro y abstracción y figuración en las que al acceder nos encontramos con una presentación de imágenes que van pasando y tienen una serie de comentarios sobre las diferentes obras.

No se puede ver lo que fue la exposición completa pero si que hay una información general que está bastante bien sobre todas estas mujeres. Ya hemos hablado sobre alguna de estas artistas en post anteriores y otras aun no han sido mencionadas. Espero que os guste.

Os dejo los enlaces de los apartados por si queréis entrar en alguno en concreto, pero el enlace de acceso "general" es el primero, el de presentación (obviamente).

Presentación:
http://www.exposicionesmapfrearte.com/amazonas/web/presentacion.asp
Amazonas:
http://www.exposicionesmapfrearte.com/amazonas/web/amazonas.asp
Exposición:
http://www.exposicionesmapfrearte.com/amazonas/web/exposicion.asp
Temática:
http://www.exposicionesmapfrearte.com/amazonas/web/animacion.asp
Catálogo:
http://www.exposicionesmapfrearte.com/amazonas/web/catalogo.asp

Imitaciones

Siempre es curioso ver copias e imitaciones de cuadros de artistas mas o menos conocidos. En este caso no  voy a hablar de mujeres.

Navegando por internet en una página que frecuento habitualmente habían publicado un post con la imagen siguiente: 

Son todo cuadros de diversos artistas masculinos y femeninos de diferentes épocas. Los gatos han adquirido un papel  importante y curioso en internet en los últimos tiempos, podemos encontrar todo tipo de imágenes con ellos, desde esta representación alternativa de cuadros hasta cualquier otra cosa que podáis imaginar.

Creo que de vez en cuando iré alternando algún post con fotos de gatos para que veáis la de cosas que hace la gente y como son capaces de captarles en momentos.
Os dejo el link directo al post ya que la imagen no se ve muy grande y no se aprecian bien. http://9gag.com/gag/3805985

Mujeres pintoras.

Indagando y buscando por internet a "todas" las mujeres pintoras a lo largo de la historia he dado con una web en la que podemos encontrar a algunas de ellas con varias obras y una pequeña parte de su biografía o la biografía completa según el caso.

Espero que os guste y sea interesante.

https://sites.google.com/site/mujerespintoras/

Natalia Goncharova, pionera en el "rayonismo"

Estudió escultura en la Academia de arte de Moscú, pero comenzó a pintar en 1904. Fue inspirada por los aspectos primitivos del arte folclórico ruso e intentó reflejarlo en su propia obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas. Junto a su marido Mikhail Larionov desarrolló el rayonismo (Un movimiento artístico, síntesis de las primeras vanguardias del siglo XX, como el cubismo y el futurismo. Los "rayos de colores" que denominan el estilo, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias. Construyen el espacio pictórico). Fueron los padres del avant-garde ruso pre-revolucionario, organizando la exposición La cola del burro de 1912 y exponiendo con Der Blaue Reiter en Múnich el mismo año.

“La cola del burro” fue concebido como una ruptura intencional contra el la influencia del arte Europeo y el establecimiento de una escuela independiente rusa de arte moderno. Sin embargo, la influencia del futurismo ruso es evidente en las últimas obras de Goncharova. Inicialmente preocupada con los iconos y el primitivismo del arte folclórico ruso, Goncharova se hizo famosa en Rusia por su obra futurista, como El ciclista y sus trabajos rayonistas posteriores

En 1915 comenzó a diseñar trajes de ballet y en 1921 se trasladó a París donde diseñó varios decorados para los Ballets Russes de Sergei Diaghilev.

Información  extraída de wikipedia.

Mer Jimenez "Mujeres"

El Museo Tiflológico de la ONCE expone 17 esculturas de Mer Jiménez que, bajo el título “Mujeres”, reúne 17 esculturas en bronce y mármol. La exposición se podrá visitar del 29 marzo al 19 mayo, en horario de martes a viernes (excepto festivos) de 10 a 14 h y de 17 a 20 h. sábados de 10 a 14 h., en calle La Coruña, número 18. Madrid. (http://museo.once.es).

La escultora catalana Mer Jiménez (Teresa Mercedes Jiménez Marrodán), es licenciada en Arquitectura Técnica (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona), y  está especializada en Técnica de Piedra (Escuela de Artes y Oficios de Barcelona.

Entre sus exposiciones individuales destacan “Mujeres” (Fonda Nastasi, Lérida, 2009), o “Women” (Albemarle Gallery, Londres, 2007). Entre las colectivas, ha participado en la Exposición Internacional Festival “Rèves d'automne” (Baie Saint-Paul. Quebec, Canadá 2010), Exposición de Arte Contemporáneo (Galería A. Cortina, Barcelona 2007), o la Exposición con motivo del X Aniversario de Albemarle Gallery (Londres, 2006).

Las esculturas de Mer Jiménez están hechas para ser tocadas. Su obra tiene como protagonista el cuerpo de la mujer, que muestra lleno de  realismo. La mujer en el papel de madre, de bailarina, de ninfa, de amazona... forma parte de esta muestra. Las formas de su cuerpo, sus posturas, permiten al visitante saber quiénes son.

La gran importancia de Sofonisba Anguissola para la integración de la mujer en el arte.

En las obras más universales y exaltadas nos encontramos con representaciones femeninas: El busto de Nefertiti, La venus de Milo, La Gioconda, Las majas de Goya y hasta las Meninas. Incluso las primeras tallas prehistóricas las Venus de sexo y vientre abultado eran representaciones de mujeres. Claramente la figura de la mujer ha sido objeto de arte, se les pintó y esculpió hasta la saciedad. Pero tardaron mucho en darse a conocer. Fue hasta que la italiana Sofonisba Anguissola consiguió ser registrada como pintora de la corte española de Felipe II, es la primera mujer artista que se registró en la historia de Occidente, como sujeto y no como objeto de la obra de arte. Es una de las figuras femeninas mas representativa del arte renacentista.
Nació en Cremona, Italia, donde comenzó a estudiar en su pasión empujada por su padre junto con su hermana y más tarde consiguió seguir estudiando con el pintor Bernardino Gatti, al estudiar con artistas hizo que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte. En 1554 viajó a Roma donde conoció a el gran Miguel Ángel, el cual reconoció su talento y al parecer, incluso, el autor compartía bocetos con ella, supervisaba su trabajo, lo que tuvo que ser un honor casi inimaginable para la joven artista. Con él siguió estudiando dos años más.

A pesar de su éxito y halagos no le fue nada fácil, ya que su clase social no le permitía ir mas allá de los límites impuestos para su sexo. Entre otras cosas no le fue posible estudiar anatomía, ya que era un escándalo que una mujer estudiara el cuerpo desnudo de su sexo opuesto. Continuó trabajando con autorretratos y retratos de su familia. Pero más tarde viaja a Milán donde le hará un retrato al Duque de Alba, y por recomendación del mismo consiguió trabajar en la corte española de Felipe II, un gran logro para ella y para lo que repercutió a las demás mujeres artistas de la época. Durante este tiempo trabajó con Alonso Sanchez Coello. Este hecho hizo que cuadros de la artista se le atribuyeran a él, como el retrato de Felipe II, que años más tarde tras estudiarlo se descubrió que pertenecía a la pintora.
Al viajar nuevamente a Italia montó su propio para continuar pintando y la visitaban grandes autores como Antón Van dyck, el cual hizo varios retratos suyos.

Claramente fue una artista clave en el avance de la mujer, pasito a pasito en el mundo del arte. Fue -quizás- la primera pintora de su época, muy conocida, distinguida y respetada en su larga vida, incluso por los grandes pintores, como Miguel Ángel, Tiziano o Van Dyc, y eso la hace increíblemente digna de admirar en este blog.

El desnudo de la mujer.

El desnudo de la mujer se convirtió en un género pictórico tal como pudiera ser un bodegón o un paisaje. La belleza del cuerpo femenino es una admiración que se seguirá admirando y adorando hasta nuestros días, pues siempre se ha representado como un ideal de la belleza, digno de admirar. Aun que no siempre lo hemos podido admirar con naturalidad, buen gusto y belleza estética. 

En ciertas épocas hubo más permisividad, por ejemplo en el Renacimiento, cuando se admiraba a griegos y romanos y se copiaban sus desnudos. Pero siempre  bajo un percatado nombre ya sea Venus o Afrodita, diosas del amor carnal, o Diana, o en cualquier caso una dama que salía inadvertidamente de su baño o que discretamente caían sus ropas. Época en la que se tenía gran pudor por enseñar mínimamente un tobillo, el arte en cambio se atrevió poco a poco, aun que con estas "excusas" a mostrar de tal modo a la mujer. Fue entonces Goya el primero que se atrevió a pintar a una mujer de verdad, natural sin referencias a ninguna diosa, su maja desnuda, y ese atrevimiento le costó un proceso de la Inquisición. 

Más tarde llega otro provocador, el francés Courbet que a parte de atreverse a pintar el desnudo masculino, pintó "La siesta", polémico cuadro que llevaba suscitar la homosexualidad entre las dos chicas representadas. Más revolucionó así con "El Origen del mundo". pintura que hoy luce orgullosa el parisino Museo de Orsay, pero que fue escondida de la vista del público hasta 1951. Courbet llevó a su máxima expresión el deseo de ver a una mujer desnuda, representando a una joven que sólo muestra las partes pudendas.

Pero fueron Degas y Toulouse Lautrec los que encontraron el entorno natural para un desnudo, mostrando a sus mujeres en la intimidad del baño. Genio el de Eduardo Sívori cuando en su "El Despertar de la Criada" muestra a la criada que se viste en la soledad y la humedad de un cuarto, mientras es espiada por el ojo de la cerradura.

Es con los vanguardistas cuando vamos encontrando claras representaciones de amantes y señoritas de compañía como la Olympia de Manet, causó un gran escándalo, ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista. Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino del Tiziano, sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina.

El desnudo femenino ha sido siempre y será admirada por su belleza, y hoy en día nos podemos seguir deleitando con la fotografía artística ya sin miedos, ni censuras ni pudores.

El "realismo mágico" de René Magritte

Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898.

Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912 su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, pues llevaba años intentando quitarse la vida, obligando a su esposo Léopold a encerrarla en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, su vestido oscureciendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo Les Amants, pero a Magritte le disgustaba esta explicación.

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes  retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda “Ceci n'est pas une pipe” (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica.

El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma. Desde el punto de vista psicoanalítico, el espejo representa la confusión de identidad del falso yo. Esta confusión se da en el espectador en el momento de contemplar la obra, al no saber si "está viendo un reflejo del cielo o si mira el cielo a través del ojo" o "si el ojo del cuadro nos mira a nosotros o al cielo"

En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.

La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.

Durante el año siguiente viaja a Israel.

Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

 

 

Homenaje a las hermanas pintoras Sofonisba y Lucía Anguissola.

Vídeo homenaje a las hermanas Anguissola.
El Museo del Prado

El Museo del Prado, el Thyssen y el Reina Sofía celebran el Día Internacional de la Mujer

El Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Reina Sofía celebran el Día Internacional de la Mujer con actividades especiales que giran alrededor de las mujeres.

El Museo del Prado pondrá en marcha un itinerario audio-guiado específicamente diseñado para plantear, desde la perspectiva de género, un recorrido por algunas de las líneas fundamentales de los trabajos de las mujeres. El itinerario "Los trabajos de las mujeres" permitirá al público conocer el papel de la mujer en el trabajo y los roles desempeñados por ésta, en exclusiva o de forma prioritaria, en función de los discursos de género dominantes en cada época.

Además de este itinerario, que quedará a disposición de los visitantes del Museo como una alternativa más, el Prado reforzará la visión de sus colecciones desde esta perspectiva de género con la celebración de la conferencia extraordinaria 'La estética del Barroco en Femenino', que será impartida por Teresa Sauret, directora del Museo del Patrimonio Municipal de Málaga (Auditorio del Museo, 19h)

EL ARTE COMO TELÓN DE FONDO 

Por su parte, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta un programa de actividades con varios colectivos de mujeres. Las mujeres integrantes de estos colectivos serán las encargadas de aportar su mirada sobre la representación femenina en la historia del arte a través de cuatro recorridos especiales por las colecciones del Museo, y de establecer un diálogo entre las mujeres del pasado y las mujeres actuales con el arte como telón de fondo de una lucha histórica. 

A través de una selección de obras -Autorretrato (c. 1908) de Gabriele Münter, Habitación de hotel (1931) de Edward Hopper y Obreros franceses (1942) de Ben Shahn, entre otras- el colectivo Pueblos Unidos hablará de mujeres que han roto fronteras ya sea como artistas, como viajeras o como protagonistas en escenarios de conflicto, situando la mirada en la importancia de la mujer en movimientos como la primavera árabe o el grupo de mujeres del CRPS Latina centrarán su atención en la lucha por la visibilidad y el reconocimiento de artistas como Louise Moillon (Bodegón con frutas, 1637), Sonia Delaunay-Terk (Contrastes simultáneos, 1913) o Georgia O*Keeffe (Calle de Nueva York con luna, 1925); mientras que desde la Comisión de Investigación de malos tratos a mujeres llevarán la mirada a los hitos en la lucha por los derechos de la mujer. El acceso a las colecciones permanentes será libre y los recorridos tendrán lugar de 11.00 a 13.00 horas y de 16.00 a 18.00 horas. 

También se proyectará este jueves, a las 13.00 y 18.00 horas en el salón de actos, el vídeo "Pilar la encajera" dedicado a Pilar Pastor, afectada por la enfermedad de Parkinson, en el que se muestra su trabajo de reproducción de los encajes de bolillos de los cuadros del Museo y en el que nos habla de la obra de Nicolas de Maes. 

Y en el campo cinematográfico el Museo Reina Sofía explica cómo el feminismo es un movimiento social que ha tenido un enorme impacto sobre la teoría y la historia del cine. Por ello ha programado un ciclo de cine basado en el intento de agrupar trabajos realizados por mujeres que hasta ahora han estado ausentes en la historiografía oficial del cine, pero que han destacado en el análisis fílmico por su capacidad subversiva.

En este sentido, desde el Museo Reina Sofía precisan que el cine feminista abarca no sólo película de ficción, sino también el documental. La programación de películas está disponible en la web del Museo.

Asimismo, otros museos ofrecen actividades especiales el día de la Mujer, dentro del programa del Festival Miradas de Mujeres, como el Museo del Traje que ha diseñado visitas alrededor de los personajes históricos como Amelia Bloomer, Elsa Schiaparelli y Margaret Thatcher para los días 7 y 8 de marzo. 

En esta misma línea, el Festival Miradas de Mujeres pondrá de relieve el trabajo de pensadoras tales como Belén Gopegui que ofrecerá la conferencia "Lenguaje y poder: el agente doble de nuestro descontento" en La Trasera, Facultad de Bellas Artes UCM (8 de marzo a las 18.00h). 

Por último citar las conferencias que se desarrollarán en galerías como "Gritos y Susurros: Mujeres, Arte y Género" (a cargo de la especialista en arte contemporáneo Margarita de Aizpuru, en la Galería BAT) y "El cuerpo de la mujer en la encrucijada de los feminismos" impartida por el crítico de arte Carlos Jiménez en OTR (las mañanas de los sábados 10 y 17 de marzo respectivamente).




Noticia extraída de: La Vanguardia

La artista surcoreana convive durante cuatro días en una pocilga industrial con cerdos

La iniciativa «El cerdo que, por tanto, soy» que esta surcoreana ha presentado en la Art Basel de Miami es una reflexión a la íntima relación del ser humano y el animal más consumido por éste

Miru Kim tiene 30 años y nació en Corea del Sur. Esta consagrada artista ha querido provocar al respetable con una nueva performance que ha desarrollado en el marco de la Feria de Arte de Miami (Art Basel Miami Beach) en el que se expondrán 260 galerías de América del Norte, del Centro y del Sur, Europa, Asia y África, de artistas de los siglos XX y XXI.

Para ello, la surcoreana se ha metido desnuda en una pocilga industrial llena de cerdos durante cuatro días (del 26 al 30 de diciembre) con motivo de la continuación de su obra «El cerdo que, por tanto, soy», que se proyectará en Nueva York.

El objetivo de esta iniciativa es el de «despertar conciencias» y provocar una reflexión sobre la relación íntima entre el hombre, piel con piel, con el animal que más consume: el cerdo.

Para ello, Miru Kim, quien ha asegurado que su proyecto «no tiene una intención política», se ha inspirado en el libro «Les cinq sens» («Los cinco sentidos») del filósofo francés Michel Serrés.

La influencia de Frida Kahlo en el mundo actual.

Frida Kahlo.

''...Pies, para qué los quiero si tengo alas para volar''
Y así es, como Frida Kahlo se abrió a un mundo repleto de hombres. Sus pinturas coloristas con tendencia surrealista habían abierto un nuevo campo en el arte donde la mujer comenzaría a tomar un nuevo nivel en el arte pasando de protagonizar obras a ser ellas quienes la realicen y se descubran como autoras de ellas.

Frida, no sólo tuvo un gran éxito como pintora, sino que fue un referente en los años '70 durante la liberación de la mujer. Su figura se volvió tan importante que llegó a inspirar a otros artistas para llevar a cabo sus obras como sucede con los Red Hot Chilli Peppers quienes le dedicaron una canción llamada ''Scar Tissue''. Sin embargo ha sido en la literatura donde la obra de Frida ha tenido el mayor impacto. La escritora Elena Poniatowska en su obra ''Las siete cabritas'' incluye un cuento en el que intenta ponerse en el lugar de Frida narrando sus pesares en primera persona. Otra obra, de Pascale Petit, de carácter poético narra en cada poema de su libro ''The Wounded Deer. Forteen Poems After Frida Kahlo'' un cuadro diferente de la artista. Por último, hay una amplia serie de novelas inspiradas en la vida de la artista, como en la pareja de Frida y Diego y variadas biografías en varios idiomas. En el mundo del cine podemos encontrar películas biográficas de la artista como Frida (2002) y Frida, naturaleza viva (1984).

Venadito. Frida Kahlo. 1946.

Esta méxicana, se caracteriza por sus obras de caracter surrealista con retratos tanto de ella como de su marido Diego Rivera. Estas pinturas tienen un carácter biográfico puesto que reflejarían hechos de su vida y sentimientos.

Siempre será reconocida por su gran talento y por ser una de las pocas mujeres reconocidas en el mundo del arte del s. XX.

La labor de Wilhelmina Cole Holladay y el Museo Nacional de Mujeres Artistas

Wilhelmina Cole Holladay.

Nació el 22 de de octubre de 1922 en Nueva York. Se graduó en historia del arte en el Elmira College en 1944 y además estudió en la Universidad de París, también trabajó en las fuerzas aéreas de los Estado Unidos y en la embajada de China. Se casó con Wallace Holladay con quien comenzó su verdadera labor en el arte. 

Durante un viaje a Europa en los años 50 los Holladay admiraron un bodegón del siglo XVII de la pintora flamenca Clara Peeters.  A su regreso buscaron información sobre esta pintora y para sorpresa no encontraron nada sobre ella ni otras artistas femeninas. Fue entonces cuando decidieron que la base de su colección  de arte fueran obras de mujeres, que más tarde se convertirían en el núcleo de la colección permanente del National Museum of Women in the Arts.

Wilhelmina es la fundadora y presidenta del Consejo Nacional de Mujeres Artistas, su objetivo ha sido siempre el traer a la luz los logros de las mujeres a través de la colección, exposición e investigación de las mujeres artistas de todas las nacionalidades y épocas.

Aparece en listas como Who’s Who of American Women, Who’s Who in American Art, Who’s Who in the World. Además de poseer varios títulos honorarios y premios a su trabajo. En 2006 recibió la Medalla Nacional de las Artes en Estados Unidos y la Légion d'honneur  del gobierno francés. 

El museo.

En un primer momento la colección se alojaba en la casa de los Holladay pero en 1983 adquirieron un antiguo templo masónico de unos 7300 m2 para albergar sus obras. Abrió sus puertas el 7 de abril de 1987.

La colección permanente actualmente contiene obras de casi mil artistas. Entre las más antiguas está el Retrato de una noble, obra de Lavinia Fontana, hacia 1580. Tiene mas de 4000 obras, que abarcan desde el siglo XVI hasta nuestros días.

Siglo XVIII y anteriores.

Mesa. Clara Peeters.

Retrato de una noble. Lavinia Fontana.
El lienzo más antiguo de la colección permanente.

Ninfa. Rosalba Carriera.
Pintora veneciana de estilo rococó.

Retrato de María Antonieta. Vigeé- Lebru

Siglo XIX

Feria de caballos.Rosa Bonheur.

Eugène Manet en la isla de Wight.Berthe Morisot.

Siglo XX 

El juego de huesecillos. Alice Bailly.

La mujer en el Renacimiento : Leonardo da Vinci.

La concepción de la mujer en el arte siempre se ha visto condicionada por el hecho de ser mujer, el ser débil que está en un segundo plano y el cual sirve para la procreación, el cuidado de los hijos y la casa. Además siempre ha quedado ligada a la imagen de Eva, la pecadora, la cual hizo que se expulsase al hombre del paraíso. 

Es por esto que las representaciones de la mujer aun no siendo escasas se dan en su mayor parte en representaciones de temática religiosa. A partir del siglo XII la iglesia promovió la humanización del evangelio estimulando así la creación de las imágenes de María.

Con este tipo de pinturas fue como Leonardo inició su carrera. Estas pinturas junto con los relieves eran populares no solo en iglesias si no también en las alcobas del siglo XV, donde una pintura de este tipo suponía protección, fuente de bienaventuraza y un lugar de oración diaria.

                           La madonna con el clavel. 

   Una de sus primeras obras como pintor independiente.

La madonna de la devanadera entre 1501-1507.

Las otras representaciones en las que podemos encontrar a la mujer son retratos hecho por encargo, los cuales hacía para ganarse la vida. Su primer encargo de tipo civil fue El retrato de Ginevra de Benci, realizado para un noble posiblemente a través de la familia Medici antes de 1480. Estos encargos realizados por nobles en su mayoría eran cuadros de sus jóvenes amantes como es el caso de La dama del armiño, se trata de Cecilia Gallerani, amante de Ludovico Sforza.

Leonardo tan solo tiene cuatro retratos femeninos, los dos mencionados, La Gioconda y el retrato de La belle Ferronnière.

Retrato de Cecilia Gallerani, conocido como La dama del  armiño.

Retrato de Ginevra de Benci.

La Gioconda o La Mona Lisa.

Retrato de Lucrecia Crivelle conocido como La Belle Ferronnière.

Son cuadros con mucho dinamismo en su composición de los pequeños detalles. Los personajes tienen una capacidad para relacionarse emocionalmente con el espectador. Leonardo decía: 

" Decide libremente sobre la disposición de las figuras, pero ten siempre en cuenta que los movimientos sean la expresión del deseo de su mente"

La representación iconográfica de la mujer.

Las primeras representaciones de la mujer se centraban en la temática religiosa o mitológica y siempre asociada por lo general a la fecundidad y la perpetuación de la especie humana. Nos encontramos ante las conocidas como Venus, figuras con las formas femeninas muy marcadas, grandes senos y un vientre muy redondeado. 

                                                              La Venus de Willendorf.


Posteriormente se la representaba como algo malo, pecaminoso, vicioso o relacionado con la imagen de la santidad y la religión. Pero por lo general las representaciones de la mujer solo se hacían por encargo ya que la mujer no era tenida en cuenta, solo era la madre, hermana, esposa etc. Y dentro de la sociedad se la comparaba con Eva y la pérdida del paraíso. 

                                                  La monstrua desnuda. Juan Carreño de Miranda




A partir del Renacimiento el desnudo cobra un mayor protagonismo, y acentúa su carácter erótico alejándose de la connotación mitológica. Venus pasa de ser una diosa a una mujer que muestra su cuerpo. 

La maja desnuda. Francisco de Goya.

Más adelante, con las vanguardias la representación va más allá del ideal de belleza y está más claramente asociado al erotismo y la sensualidad con obras muy sugerentes, dejando a un lado la inocencia y dando paso a una provocación directa. Se refleja también los cambios de la sociedad y el papel que la mujer poco a poco va consiguiendo en la sociedad.

Las señoritas de Avignon. Pablo Picasso.

Exposición de Piccaso en la Fundación Canal.

La expresión "eterno femenino" acuñada por Goethe reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva y que, por tanto, unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. Un concepto que se materializa en la obra de Picasso, quien hizo de la figura femenina uno de sus temas iconográficos más recurrentes sin limitarse al enfoque reduccionista de lo erótico. Tomando como título el término del genio alemán, la Fundación Canal de la Comunidad de Madrid rinde homenaje a esta mirada fascinada e interrogativa de Picasso hacia la mujer, con 66 grabados realizados entre 1927 y 1964. Las obras, pertenecientes a la Fundación Picasso (Museo Casa Natal - Ayuntamiento de Málaga), muestran la visión múltiple del artista malagueño, desde la herencia del Renacimiento hasta la deconstrucción cubista. Hasta el 8 de abril en la sede de la Fundación Canal.




Noticia extraída de: El Cultural

Mujeres artistas a lo largo de la Historia del Arte.

A lo largo de la historia del arte han existido numerosas mujeres artistas que han pasado un tanto desapercibidas o que han sido descubiertas tardíamente.

Algunas de estas mujeres han crecido a la sombra de sus maridos o de otros hombres, también artistas. Algunas de estas excepcionales mujeres artistas merecedoras del mayor reconocimiento, han sido:

* La pintora de bodegones Rachel Ruysch, cuyos cuadros se cotizaban más que las de su contemporáneo Rembrandt.

* Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 1597 - Nápoles, 1652/53) fue una pintora caravaggista italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639).
Vivió en la primera mitad del siglo XVII. Tomó de su padre, Orazio, el límpido rigor del dibujo, injertándole una fuerte acentuación dramática, tomada de las obras de Caravaggio, cargada de efectos teatrales; elemento estilístico que contribuyó a la difusión del caravaggismo en Nápoles, ciudad a la que se trasladó en 1630. 

* Judith Leyster (Haarlem, 1609 - Heemstede, 1660), discípula de Frans Hals. Fue una pintora holandesa que trabajó con formatos de dimensiones variadas. Cultivó las obras de género, los retratos y los bodegones. 

* Camille Claudel, escultora francesa, hermana del poeta, dramaturgo y diplomático francés Paul Claudel.
Camille Claudel tiene su primer encuentro con Auguste Rodin en 1883, y el año siguiente empieza a trabajar en su taller. Camille posa para él y colabora en la realización de las figuras de la monumental Las Puertas del Infierno. La obra de la escultora, a pesar de ser muy cercana a la de su maestro, tiene su toque personal y femenino, sin ser nunca una copia...

* Frida Kahlo (Coyoacán, Ciudad de México, 1907 - 1954), la esposa y artista, siempre tras la figura de Diego Ribera. De sesgo muy personal, la obra de Frida Kahlo se caracteriza por una síntesis de elementos expresionistas y surrealistas, con una temática popular y autobiográfica. 

* Georgia o´Keefe (1887 - 1986): Es uno de los grandes nombres de la pintura del siglo XX. Su arte estuvo muy ligado a su compañero, Alfred Stieglitz, y no fue verdaderamente reconocida hasta la década de los años 70. 

* Gwen John (1876 - 1939). Pintora galesa, hermana del también pintor Augustus John. Sus retratos, caracterizados por un estilo sutil y preciso, le granjearon la admiración de artistas y coleccionistas, incluso sin haber realizado más que una sola exposición individual en toda su vida. 

* Tamara de Lempicka o Tamara Lempicka, nacida Maria Górska, fue una pintora nacida en Varsovia, Polonia en 1898 (en Moscú, Rusia, en 1900 según otros biografos). Destacó por la belleza de sus retratos femeninos, de pleno estilo art decó. 

* Dora Maar (1907- 1997), la amante de Picasso, hacía fotografías de una calidad excepcional.

Actualmente las mujeres han dado un giro importante en el mundo creativo. En el panorama actual del mundo del arte, la mitad de los artistas interesantes son mujeres. La cotización de su arte prácticamente se equipara ya al de los hombres, con precios realmente altos.

Noticia extraída de: Arte de Hoy

Representación de la mujer en el arte.

Para cualquier persona que tenga un mínimo aprecio por el arte le resultará realmente impresionante.
500 años de las diferentes representaciones de la mujer en el arte, en un blog como este no podíamos dejar desapercibido tal vídeo.

La visión de la mujer a través de DALÍ

Salvador Dalí.

Cuando el arte de interesar se convierte en provocación, podemos asegurar que el loco se vuelve un genio. Es así, como Salvador Dalí (11 mayo de 1904) llegó a convertirse en el máximo exponente del surrealismo. Nacido en Figueras, Dalí revolucionó la pintura y el concepto del arte con sus grandes obras, donde en la mayoría de ellas el protagonismo femenino se hace latente.

En los comienzos del artista, el surrealismo todavía no había llamado a las puertas de su mente con lo que comenzó trabajando en diferentes estilos. El impresionismo fue abriéndole poco a poco las puertas de su estilo. El ideal femenino que reflejaban sus pinturas se veía en los retratos de su familia de carácter impresionista en donde había una gran representación fidedigna de la figura femenina. La mujer en esta época es muy transparente, ya que es un fiel reflejo de los personajes. No hay ningún tipo de modificación puesto que lo que busca es la representación de lo que ve él, sin ningún tipo de ideal o canon que le conduzca a modificar los retratos puesto que lo que le interesaba era conservar esa belleza innata que poseen las mujeres retratadas (como podemos observar en el retrato de Anna María o en el de su madre).

Sombrero en forma de zapato.

Posteriormente, durante su época de estudiante en Madrid logró trabajar otros estilos que le llevarían al descubrimiento del surrealismo: el cubismo e impresionismo. Tras conocer a Picasso, Dalí consiguió sumergirse del todo en este ''nuevo'' estilo.

Una de las explicaciones de por qué la figura femenina es tan importante en las obras de Salvador Dalí, es el amor. A partir del encuentro con Gala, quién sería su esposa, la mujer pasaría a ser una gran musa protagonista de sus obras junto  a su carácter megalómano y narcisista puesto que él también tomaría un gran protagonismo en sus obras.

La figura femenina fue tan importante para Dalí que no sólo ilustró obras con mujeres, sino que diseñó joyas (como unos labios) y esculturas (Venus de Milo con cajones) basadas en este sexo.

Leda atómica. 1949. 

Es importante destacar que el ideal de la mujer pintado por Dalí es un concepto de mujer realista. Estas no poseen una belleza desmesurada ni unos cuerpos divinizados. Son mujeres que destacan por la sencillez en la que se muestran en los cuadros aportando una sensación de dulzura y fragilidad junto con una gran serenidad. Sin embargo, en sus pinturas, Gala se encontrará a otro nivel. Sus representaciones serán siempre divinizadas ya que se la situará de una forma sacrilizada  representado así la importancia de ella en la vida del pintor. La forma de divinización se verá expuesta en las posturas y las formas de representación puesto que Dalí seguirá con el canon de una mujer realista como concepto de belleza.

Dalí, durante toda su carrera artística, supo como representar a mujeres corrientes convirtiéndolas en verdaderas obras de arte gracias a la sencillez y talento que poseía el genio.

«La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco».